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  以亲身的观展体验和独立的视角,面对光芒
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  文:钱雪儿 陆斯嘉

杨沛铿作品《园中莨苕》及《白莨苕》

  以亲身的观展体验和独立的视角,评点近期展览。

面对光芒,你将如何应对?

  万物与虚无

在文学经典《绿野仙踪》中的 “Emerald City”里,绿宝石构筑乌托邦的城市,城市行走的每个人都要戴上特制的绿色眼镜,以遮挡光芒。面对世界的高速与与之并存的晕眩,如何面对,何为立场?

  地点:上海余德耀美术馆

是一叶障目,还是炫目而盲?

  展期:2018年4月20日-10月14日

3月28日,K11 Art Foundation在香港巴塞尔期间推出自主策划性群展,展览以“Emerald City”之名,解构几何学的成规,以之隐喻全球化语境中文化差异的存在方式。这一展览的开幕,也是K11 Art Foundation自成立以来的再度升级。

  凭借《雨屋》轰动一时的兰登国际在上海举办首个亚洲地区个展。通过一系列互动装置,观众将得到沉浸式体验。兰登国际试图在日益机械化的世界里探索人类的状态,不过,他们的思考能否通过这些作品而传递给观众、昂贵的票价将满足怎样的期望,可能只有愿意购票的人才能回答。

“Emerald City”展览现场

  2016年前的网红拍照地“雨屋”又来到了上海。日前,兰登国际正在上海余德耀美术馆举办亚洲地区首次个展“万物与虚无”,除了“雨屋”之外,兰登国际还带来了他们近期创作的一些装置作品。通过和装置互动,观众或许会对艺术和科技、人类和自然等问题进行思考。

展览由KAF艺术总监刘秀仪策划,邀请了来自中国及世界各地的艺术家,作品形态包括了绘画、录像、雕塑和场域特定装置。参展艺术家包括Ashley Bickerton、Dora Budor、Nina Canell、陈翊朗 、陈轴、Carl F. Cheng、Dumb Type、Peter Halley、Nik Kosmas、Ajay Kurian、刘窗、 陆浩明/ Alexis Mailles/ Peter Nelson、山河跳!、Oscar Murillo、沈莘 、田名网敬一 、THE PLAY、唐嘉豪、Clarissa Tossin、Adrián Villar Rojas、王凝慧、黄慧妍、杨沛铿、张恩利、张如怡、周思维。从艺术家名单的丰富性即可一窥展览“Emerald City”的多样性,大中华区与国际艺术家、新锐艺术家与成熟艺术家的比例非常均衡,近三成的参展艺术家有作品被重要的美术馆及机构收藏。同时,展览作品的创作年代跨度极大,从上世纪的六七十年代一直延伸到最新为本次展览委托创作不等。展览分两部分在K11 Art Foundation Pop-up Space临时展览空间与chi art space呈现。

  展览名称取自视频装置《万物与虚无》。这是兰登国际首个影像作品,记录了在无情的变革时代中,工业化世界衰败与进步同时并行的现象。“作品中重复转动的蒸汽压路机,具备压合与粉碎、破坏与重建的潜在特性,象征着一个无节制革新的文化内所固有的含混不清、模棱两可。”作品介绍中这样写道。

Peter Halley作品《Prisons》

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K11 Art Foundation Pop-up Space临时展览空间以数码印刷创作壁画装置的先驱Peter Halley为本次展览定制的全新数码印刷壁画装置《Prisons》为入口,原本冷峻的监狱栅格和禁闭窗被强烈视觉冲击的饱和色所改变,改变了空间的原有特征。

  兰登国际另一件首次展出的新作《旋转栅门》试图思考人类与机器之间的关系。《旋转栅门》是一个用障碍门设置的迷宫,没有任何电子元件,所有互动仅仅来自于机械与人体运动。兰登国际认为,这件作品具有中国本土特色,因为这样的障碍门在中国非常常见。将常见的公共设施从公共场所的场景中抽离出来,旋转栅门被赋予“装置艺术”的新身份,原本的实用性转变成了趣味性。

“Emerald City ”展览现场

  《临时涂鸦》邀请观众将光作为喷漆工具,在光敏表面作画,不过,正如作品名称所透露的那样,留在表面的图像每一秒都在消失,五分钟后便毫无痕迹。《自我与他人》开启了一种身体与自身反射影像之间的互动方式,观众将会看到自己发着光的反射影像被包裹在玻璃片构成的数层镜体之内,反射影像与参观者的动作、行为相呼应,但稍显迟缓。

展览“Emerald City ”的几何学背景,或让人从语义上认定展品中有大量几何形状,但事实上几何的呈现,并不限于实在可见的图形。在K11临时展览空间之中,空间被透明材料切割成为三角形/方形空间延边缘分布,展厅中间的作品陈列如同层层屏障,排列而非阻隔。几何型的空间对于观众本身,并非惯性观展的常规状态,当进入狭小空间,观众和作品保持了略显局促的观看距离,而透明墙体给予了观众有着另一种观看视角与可能性。

  在所有展出的作品中,最受关注的自然是《雨屋》。从理论上来说,由于作品中设置的感应器,观众从雨中走过不会被淋湿。但从现场体验来看,这种“感应”有一定的延迟,如果走得过快,仍然会被淋得满身狼狈。当然,这或许也是作品带来的乐趣所在。

Nina Canell 作品《Brief Syllable 》

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几何规则在现实生活中无处不在,如水中之水:画框、录像作品的投影距离、雕塑底座的面积、场地的平面图,无一不和“几何”牵上关系。毋需重申几何法则的普遍性,展览还突出这个系统外的“噪音”。

  兰登国际试图在日益机械化的世界里探索人类的状态,通过实验不同的意识、感知与直觉,去塑造一种可能的行为环境原型,他们希望观众透过即时、感知的互动体验,探索科技介入艺术所带来的全新感受。不过,身处现场的观众似乎更多地忙于体验,来不及思考或者想不到作品背后想要论述的问题。

Ashley Bicketon《Wall-Wall 》与Nina Canell 作品《Brief Syllable 》

  在展览开幕时,兰登国际在现场介绍作品《小研究》时说道,这件作品背后有一套算法,作品上呈现的移动都是依据算法随机进行的,他们希望以此回应鸟儿飞过等自然现象。这样的作品和观点让人忍不住思考一些别的问题:在技术时代,我们是否一定要借由科技去思考人和自然、人和自身的关系?沉浸式的展览体验是否能让人距离艺术更近?150元的票价能够满足观众在哪些方面的期望?

肋木架起源于19世纪,一直是被广为使用的健身设备,有助锻炼身体肌肉和伸展性。肋木架的形式多变、功能多样,使Nik Kosmas为之着迷。他近年所创作的金属结构作品以肋木架为蓝本,坚固而美观,不但可用来锻炼身体,还可当作公园攀架和毛巾架。“制作作品必须结合天赋、自己还有实用主义,必须保持对工业流程和以自我为中心从而边缘化保持怀疑和警惕,因为这会让上层的画廊主和收藏家成为你唯一的支撑,这是我为什么要让作品拥有实用性的原因。我想参与到更真实的世界里,从而让作品更具竞争力,对普通观众也是如此。”

  当然,这些或许并不重要,毕竟,艺术应该是好玩的事情。

Dora Budor作品《Slow Ticking of the Callous Mind》

  Emerald City(翡翠城)

Clarissa Tossin的作品《Ch‘u Mayaa》、陈轴作品《你无法命名》&《即使在梦中你还是要绕过那堵墙》、张如怡作品《建筑配件€€€€3》在展厅中围绕空间和建筑的讨论,再度形成一个小的对话关系。Clarissa Tossin的作品《Ch‘u Mayaa》通过舞蹈与现代建筑的互动,完成了对于玛雅文化及历史的回望。而在陈轴的作品之中,死亡是通向空间的门。“You can not Name It”如同墓碑有着极具形式感的排列,“We Are Still Trying to Get Around That Wall”这段文字被镜像倒置在无形的墙面之上,如同楚门穿越世界的那个瞬间。而张如怡的瓷砖立柱,在展厅之中以合理的方式存在,甚至有时观众都忽略作品,认为是展览空间的原有结构。

  地点:香港K11艺术基金会临时展览空间 & chi art space

威尼斯官方网站,Clarissa Tossin的作品《Ch‘u Mayaa》和张如怡作品《建筑配件€€€€3》

  展期:2018年3月28日-5月31日

曾于巴黎国立高等美术院任教的Alexis Mailles此次与两位在香港生活工作的艺术家陆浩明、Peter Nelson合作,在多人第一身射击游戏「Counter-Strike:Global Offensive」的服务器上共同开发的创作。在谈及如何与其他地区的艺术家合作时,Aexis Mailles表示,这样的合作在香港发生是非常正常的,这而且并不是他第一次在中国展出作品,之前也曾在上海、台湾展出作品,跟所有国际化城市一样,香港就是巨大的盒子,吸引一切并容纳一切。所以他们探访了这座城市的某段历史€€€€太平洋战争初期的一次保卫战役。他们先进行了实地考察和档案研究,然后与建筑师合作分析,设计了一个仿真的可以对战的游戏空间。在展览现场,观众可以随时在电脑前加入这场战斗,是展览中的互动作品。

  点评:走进《监狱》,获得“艺术‘几何’”的最大自由?没错,《监狱》是一件数码印刷壁画装置,它通向的是以“几何学”为背景的一场展览。当然,这并不是有关点线面及三维空间概念的展览,而是面对“差异”阈值巨大的当代艺术世界,一场由观赏者体验的《绿野仙踪》。

本次展览中展出的张恩利作品《舞蹈》是其2010年其首次个展的草图。

  在文学经典《绿野仙踪》中,Emerald City是奥兹国的首都,她的中译名是“翡翠城”,这个乌托邦城市光芒四射,城里的人需要戴上绿色护目镜以防强光。不久前,香港艺术基金会举办了一场名为Emerald City的当代艺术展览,展览选取“几何学”为背景,却并不限于几何图形的呈现。它是不是在提醒观众,当我们面对姿态纷繁的当代艺术作品时,也要戴上某种眼镜或者采取某个视角,去探究物象背后的意义?

香港艺术家陈翊朗和黄慧妍的作品从不同侧面反映了艺术家对于个体的反应。陈翊朗受童年影响,一直深陷不安与恐惧之中,在他的创作中,从负面能量中获得灵感,创作是他恐惧的出口。《本来无一物》看似还原了家庭浴室中的一角,但瓷砖图案实则是他内心幻想中的魑魅魍魉。对于真实和虚无、舒适区与恐惧之间的对立,是每个个体都在遭遇的时刻。

  策展人刘秀仪说,展览Emerald City以几何为切入点,但这种几何并非三维空间的单纯呈现。在全球化的年代,文化差异的生存空间愈益狭窄,几何学被视为一种跨越时空和国界的世界语言,展览通过探讨这一语言所担当的角色,探索在全球化浪潮下“差异”共存的可能。

“Emerald City ”展览现场

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而黄慧妍同样将关注点置于身体,她受到Ibrahim Karim所创立的生物几何学影响,转向身体内部,作品《我们的器官有点毛病,所以喜欢艺术》用线条勾勒出不同的器官,同时,她相信这类图像可以平衡身体能量,以表达她对于艺术家和艺术工作者身心健康的关注。

  给笔者印象最深的是一位女性艺术家创作并“出演”的影像作品《玛雅蓝》(Ch’u Mayaa)。2017年,Clarissa Tossin为盖蒂基金会的艺术项目创作了《玛雅蓝》。她走进1921年美国建筑师在洛杉矶设计的住宅“蜀葵之家”,用形体表演唤起人们对这座深受玛雅风格影响的建筑的感知,她的身体语言和画面的光影,让整座建筑看起来如寺庙般静谧庄严,她的舞步则取材于玛雅陶器和壁画上的动作和图案。透过柔软的女性躯体与环境的空间关系,引起观众对历史的思考。

面对全球化的立场与态度

  日本艺术家田名网敬一展出了6件木雕作品。童年时以木制积木玩乐的记忆诱发了他用木质材料进行实验和创作。1980年在中国的游历,使他意识到不论是中国还是日本的园林,都有模塑大自然的意味,这样的认知逐渐发展成他的创作风格。此后的一次肺水肿,使他一度徘徊于生死之间,药物令他产生了幻觉,《升天的屋_A》中形态扭缠的松树,便展现了艺术家的回忆和经历如何影响了作品的美学和形式。

香港,作为亚洲乃至全球的重要市场,其地理及人文位置有着得天独厚的优势。而瑞士巴塞尔收购香港艺博会之后,每年的3月更是成为整个亚洲艺术市场的“黄金周”。回顾KAF在过往数年香港巴塞尔艺术季之间发起的展览讨论,可以看到KAF在展览中一贯置之的思考€€€€面对全球化语境的反思,同时又与在地的文化特征发生对话关系。

  这次展览分别在香港的两个场地呈现,其中香港K11艺术基金会临时展览空间的地面层入口处是一件数码印刷壁画装置《监狱》,作品由监狱框格和禁闭窗户组成,它们的组合从视觉上似乎让墙壁往前向后地推移,带来了展场的动感。这样的趣味性或说是非常规的创造与表现,成为Emerald City多处作品给笔者的直观感受。

“HACK SPACE”展览现场

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2016年,KAF邀请国际策展人汉斯€€乌尔里希€€奥布里斯特,以展览“HACK SPACE”探索了网络€€代的黑客文化。“HACK SPACE”以入侵空间为主题,不论是场所、领域和构架都可通过非正统的方式彻底调整以解决问题。是次展览与国内的山寨现象紧密相关,“山寨”在中国是个常见词,且常与展览的毗邻城市、有“硬件硅谷”之称的深圳联系在一起。

  监狱

之后的2017年,KAF与MoMA PS1联合呈现,与 以展览“.com/.cn”探索人与科技的关系和边界。展览由 Klaus Biesenbach 及 Peter Eleey 共同策划。展览源于 KAF 与 MoMA PS1 长期以来的研究合作计划,标题“.com/.cn”清晰地指向了存在于互联网上地域性,以此挑战“互联网抹去地理差异”的论调。作为展览的策展人之一,Klaus Biesenbach 曾在采访中表示:“展览名称已经将中国与西方的网络的差异展露无疑,两者乃是各自独立的操作系统。”

  假如“在世界之内建立世界,是几何学的一个追求”,那么在艺术之内构成一场当代艺术的展示,“几何”更多的还是策展者的良苦用心,面对表现形式与作品主题十分丰厚的一场展览,从《监狱》的这扇大门走进展厅、逐一观看甚至是参与某些互动展品,或许才是获得关于“艺术’几何’”的最大自由。(文/陆斯嘉)

“.com/.cn”展览现场

  美国酷炫的现代主义:从奥基夫到霍珀

“山寨”及“网络受限”一方面与中国社会的现状相呼应,另一方面,同样指向西方世界对于中国标签化的认知。面对社会转型期的中国,KAF将展览主题与社会问题相连接,展览讨论与中国社会投射在全球化语境之下的冲突性紧密链接。对全球化的思考同样在“Emerald City ”展览之中同样延伸。

  展期:2018年3月28日-7月22日

机构的自我生长 KAF主动升级

  地点:牛津大学阿什莫林博物馆

“Emerald City”是KAF首个包办研究、策展及制作的展览,标志KAF踏入崭新时代,作为成熟文化机构呈现全面而深入的学术研究成果。从2010年创立之初,KAF就确认了以支持大中华区新晋艺术家创作为重要方向。

  点评:展览从早期的抽象画艺术到查尔斯·希勒和查尔斯·德穆斯的精确主义的写实绘画作品,试图探索上世纪20年代的美国酷炫的现代主义艺术作品。随然不乏印刷品稍多的缺点,但依旧充满了探索性,影响着观众的艺术意识。

《中国内部€€巨人之内》展览现场

  展览来自纽约大都会博物馆、芝加哥美国艺术基金会的35幅绘画作品,并试图探索上世纪20年代的美国酷炫的现代主义艺术作品,从早期的抽象画艺术家,如乔治亚·奥基夫、阿瑟·德夫和成为电影摄影师的保罗·斯特兰德的作品,再到查尔斯·希勒和查尔斯·德穆斯的精确主义的写实绘画作品,展览汇集了当时美国艺术家所作的一些最伟大的作品。

作为机构发展前期,KAF在过去数年中,积极与世界各地的知名艺术机构合作,举办地区性及国际性艺术项目。KAF曾与菲格拉斯卡拉€€达利基金会、伦敦蛇形画廊、伦敦当代艺术学院、巴黎蓬皮杜艺术中心、巴黎东京宫、巴黎玛摩丹莫内美术馆、纽约大都会博物馆、军火库艺术展、纽约新美术馆、纽约现代艺术博物馆、MoMA PS1等知名艺术馆和单位合作。对于KAF而言,这种与国际顶级机构直接的对话过程并不仅限于“拿来主义”或国际展览项目的单方面引进,更完成了双向对话的可能性,快速地建立了具有国际视野的互动关系。

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同时,KAF将对于中国青年艺术家的支持与推动做到了真正意义上的与国际平台达成双向互动。KAF一方面将中国艺术家输送至国际顶级展示平台,形成对于个案及群体的研究性项目。另一方面,邀请国际顶级机构策展人参与策展,在国际及中国艺术家内部形成对话,打破展览语境固态的结构化。KAF的大型巡展项目《中国内部€€巨人之内》在2015年推动了中法两国年轻艺术家的互动可能,同时展览在始于巴黎,途径香港,上海落幕的过程中的不断生长变化。在展览过程中,KAF还将其重要构成部分€€€€武汉K11艺术村的驻村艺术家通过展览的形式,带入国际化交流的过程。

  在那个 “咆哮”的爵士乐时代的20年代,以及随后的大萧条时期的30年代,许多美国艺术家通过绘制具有冷酷、绘制精确的作品来表达了他们对于本土现代化和城市化的不确定性。精确主义既涉及形式,也涉及内容。 它是一种精确的,扁平的,硬化边缘形式的艺术,就像新的工业景观; 但它也喜欢在建筑物间漂浮的气氛。

上海K11美术馆大型群展“WE”集结了56位中国新锐艺术家

  展览中的一幅作品描绘着黄昏时分的美国工厂,较低的楼层,阴暗、荒凉,上面的窗户对着黑暗的天空,发出一道令人毛骨悚然的蓝光。这是一个与陌生事物直接相关的场景,是乔治·奥特于1932年的杰作。 “奇妙的夜影”是霍普从1921年创作的,一个孤独的人物在空荡的街道下面漫步,路灯的巨大阴影就像是一个可怕的黑色障碍。

KAF一直还在扶植有潜质的年轻策展人的专业发展。从上海K11的大型群展到武汉K11艺术村的诸多活动,KAF形成了对内策展团队的培养,以及对外与更加新锐的年轻策展人频繁建立合作关系。如2016年在上海K11 chi美术馆展出的大型群展“WE”,就由KAF机构内部培养的策展人独立策划完成。

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2017年11月,随着KAF公布重要公告,宣布薛梅、刘秀仪等四位加入团队,完成了核心团队的进一步充实。展览“Emerald City”作为KAF首次自主策展、制作的展览项目,也标志着KAF的积极转型。

  把这种艺术形容为酷炫,在当代意义上,感觉几乎是轻描淡写的。奥特笔下的布鲁克林;乔治亚·奥基夫在她俯瞰的30层公寓内绘制的东河全景与白雪皑皑的建筑物,笔触精确、柔软,看起来与今天完全一样。

郑志刚表示:“K11 Art Foundation 蜕变成充满动感与自主的文化单位,近年连系中国当代艺术家与国际首屈一指的机构,稳步向前,期望未来将持续协作关系。现在时机成熟,是时候展示K11 Art Foundation自2010年成立以来默默耕耘的成果:当中包括学术视野的分享,展览将集各家之大成,体现K11 Art Foundation 的专业深度,彰显其独特的文化观点。”

  纵观展览,在卫报评论家劳拉·卡明看来,这并不是一场盛大的展览,甚至太过依赖于展示印刷品,但它依旧充满了探索性。例如诗人EE Cummings的怪诞未来主义绘画作品;摄影师爱德华·史泰钦在走上摄影之路前的油画作品;1932年,马丁·刘易斯的车在雪中的十字路口处,不知驶向哪里;好莱坞电影的开幕式……每一场伟大的展览都会改变或影响一个人的艺术意识,这次也是如此。

KAF作为机构的升级之路,正在开始,未来可期。

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